Dora Maar, Sans Titre (Main-coquillage), 1934, Silbergelatineabzug, Fotomontage, 40,1 x 28,9 cm, Centre Pompidou, Paris, Musée national d´art moderne. Foto: © VG Bild-Kunst, Bonn 2011. © Kunstsammlung NRW

Die andere Seite des Mondes

Künstlerinnen der Avantgarde

K20 Grabbeplatz, Düsseldorf

bis 15.01.2012

Im Mittelpunkt der Ausstellung “Die andere Seite des Mondes” stehen acht Künstlerinnen, die in den 1920er und 1930er Jahren maßgeblich an den ästhetischen Neuerungen in Europa beteiligt waren. Durch ihr hohes künstlerisches Niveau, ihre zielstrebige Kontaktsuche [...]

Kuratorin: Dr. Susanne Meyer-Büser

Hannah Höch, Siebenmeilenstiefel, um 1934, Photomontage, 22,9 x 32,29 cm, Hamburger Kunsthalle. Foto: © VG Bild-Kunst, Bonn 2011, Foto: Christoph Irrgang. © Kunstsammlung NRW

Im Mittelpunkt der Ausstellung Die andere Seite des Mondes stehen acht Künstlerinnen, die in den 1920er und 1930er Jahren maßgeblich an den ästhetischen Neuerungen in Europa beteiligt waren. Durch ihr hohes künstlerisches Niveau, ihre zielstrebige Kontaktsuche und unbedingtes Engagement vernetzten sie sich stets im Zentrum der Avantgarde. Es sind Claude Cahun, Dora Maar, Sonia Delaunay, Florence Henri, Hannah Höch, Sophie Taeuber-Arp und die weniger bekannten Katarzyna Kobro und Germaine Dulac, deren Leben und Werke in der Ausstellung erstmals in dieser Zusammenstellung entdeckt werden können. Die Gesamtspanne der künstlerischen Arbeiten umfasst unterschiedlichste ästhetische Richtungen vom Dadaismus über den Konstruktivismus bis hin zum Surrealismus. Ebenso vielfältig sind die künstlerischen Mittel, die Malerei, Fotografie, Collage, Film und Skulptur umfassen.

Installationsansicht „Haunted by Objects“, The Israel Museum, Jerusalem, 2010/2011, © Zvi Goldstein. Foto: cakesmeyer © Kunstsammlung NRW

Die andere Seite des Mondes wendet sich den weiblichen Pionieren der Avantgarde zu: Künstlerinnen, die frühzeitig an den Bewegungen ihrer Zeit teilgenommen und die zur Begründung und Verbreitung neuer Stilrichtungen beigetragen haben. Beispielhaft für diese Riege der Pionierinnen steht Sophie Taeuber-Arp (1889-1943).

Zum Kreis dieser einflussreichen und kommunikativen Künstlerinnen zählen ebenso Hannah Höch (1889-1978), die mit ihren Collagen zu den Begründern des Berliner Dadaismus gehörte, sowie Sonia Delaunay (1885-1979). Sie bereitet in Paris den Weg zur reinen Malerei und revolutioniert die Modeindustrie mit einem eigenen Label.

Fast alle der vorgestellten Künstlerinnen waren zeitweise eng miteinander befreundet, andere kannten sich indirekt durch ihre Werke. Die Wege, Querverbindungen, wechselnden Freundschaften und temporären Paarbildungen – kurz: die europaweiten Netzwerke dieser Künstlerinnen – sollen in den rund 220 Werken der Ausstellung sichtbar und erfahrbar werden.

Sophie Taeuber-Arp, Composition à forme „U“ (Komposition mit U-Form), 1918, Collage, Aquarell und Gouache, 24,8 x 25,8 cm, Stiftung Hans Arp und Sophie Taeuber-Arp e.V., Remagen-Rolandswerth. Foto: © PRO LITTERIS, Zürich / VG Bild-Kunst, Bonn 2011 © Kunstsammlung NRW

Die Ausstellung ist gemacht in Kooperation mit dem Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, Dänemark. Es gibt ein Katalog im DuMont-Verlag.

kempis.nl poetry magazine

Max Liebermann (1847–1935), Selbstbildnis, 1910, Öl auf Leinwand, 1910, Hamburg, Hamburger Kunsthalle, © bpk | Hamburger Kunsthalle | Elke Walford

BUNDESKUNSTHALLE BONN

Max Liebermann

Wegbereiter der Moderne

bis 11. September 2011

Max Liebermann (1847–1935) gilt als einer der prominentesten Wegbereiter der Moderne. Sein sechs Jahrzehnte umfassendes Lebenswerk als Maler und Kulturpolitiker prägte die Kunstdebatten seit der Gründung des Deutschen Kaiserreichs 1871 bis in die letzten Jahre der Weimarer Republik. Im fruchtbaren Dialog mit den holländischen Altmeistern Rembrandt und Frans Hals einerseits sowie den französischen Impressionisten andererseits schuf Liebermann ein stilistisch und thematisch vielfältiges Werk.

Der chronologisch gegliederte Ausstellungsrundgang veranschaulicht mit über 100 Gemälden und Zeichnungen alle Schaffensphasen des Künstlers. Mit jedem Jahrzehnt seines langen Lebens gelang es Max Liebermann geradezu programmatisch seinen Stil und sein Motivrepertoire zu erneuern.

Max Liebermann (1847–1935)- Badende Jungen, 1909 – Öl auf Leinwand, 51 x 73 cm – Kunstmuseum Solothurn, Josef Müller-Stiftung – Foto: SIK-ISEA, Zürich

Der thematisch weit gespannte Bogen beleuchtet exemplarisch die wichtigsten Werkgruppen Max Liebermanns: Seine frühen Darstellungen der bäuerlichen Lebens- und Arbeitswelt zeichnen sich noch durch ein gedämpftes Kolorit aus. Erst ab der Mitte der 1880er Jahre tauchte der Künstler seine Motive des bürgerlichen Freizeitvergnügens – die Welt der Gartenlokale, des Strandlebens oder Polospiels – in das sonnendurchwirkte Tageslicht der Impressionisten, ohne jedoch deren Technik zu übernehmen.

Nach 1900 entwickelte sich Liebermann zu einem begehrten Porträtisten. Die immer wiederkehrenden Selbstporträts des Künstlers verliehen der Ausstellung eine sehr persönliche Note. Der Rundgang endet mit dem fulminanten Alterswerk Max Liebermanns, das er seit 1910 in seinem Sommerhaus am Wannsee schuf. Die unzähligen Gartenansichten entwickelten sich zu einem Experimentierfeld freier Malerei, in der Kunst und Natur zu einer glücklichen Synthese zusammenfinden.

Auf dem Dach der Bundeskunsthalle werden die drei Hauptelemente dieses Künstlergartens – die Heckengärten, die Birkenallee und die Staudenbeete – in freier Anordnung zitiert. Raffinierte Blickachsen, freies Spiel aus Licht und Farbe und das unmittelbare Naturerlebnis stellen nicht nur eine Erweiterung des Ausstellungsrundgangs dar – sie ermöglichen es dem Besucher, in die Welt Max Liebermanns mit allen Sinnen einzutauchen.

Max Liebermann (1847–1935)- Wiese mit ausgebreiteten Netzen und Segeln – Studie für die Netzflickerinnen, 1884 – Öl auf Papier auf Karton, 25 x 34 cm – Schenkung Sophie Walzer, Oxford, durch die British Friends of the Art Museum of Israel zum Gedächtnis ihres Vaters Bruno Cassirer – B55.12.0951 – Foto © The Israel Museum, Jerusalem, by Avshalom Avital

BUNDESKUNSTHALLE BONN

Max Liebermann. Wegbereiter der Moderne

bis 11. September 2011

kempis.nl poetry magazine

Thomas Struth, Paradise 01, Daintree, Australien 1998, 225,7 x 178 cm (Bild) 232,7 x 185 cm (Rahmen), © Thomas Struth Foto:© Kunstsammlung NRW

Thomas Struth

Fotografien 1978 bis 2010

26 februari -19 juni 2011

MUSEUM K20 Grabbeplatz Düsseldorf

De in Düsseldorf en Berlijn woonachtige fotograaf Thomas Struth (°1954) behoort tot de belangrijkste vertegenwoordigers van de Duitse fotografie. De talrijke tentoonstellingen die de afgelopen 15 jaar in Europa, de VS en verschillende Aziatische landen rond zijn werk werden opgezet hebben van Struth een internationaal bekende kunstenaar gemaakt. Maar waar er tot dusver alleen bepaalde projecten werden voorgesteld, geeft de Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen nu een compleet beeld van zijn werk en dat is een Europese primeur.

De tentoonstelling -die tot stand kwam in samenwerking met Kunsthaus Zürich-werd na zijn debuut in Zwitserland voor deze ‘halte’ met meer dan 100 beelden uitgebreid. De nadruk ligt duidelijk op Struths’ verwezenlijkingen van de afgelopen decennia, maar in Düsseldorf -en alleen in Düsseldorf-worden ook zijn recente verwezenlijkingen belicht.

Verder verdient ook zijn vroegere werk, dat nog niet eerder publiek te zien was en deel uitmaakt van de reeks Düsseldorfer “Straßen”, bijzondere aandacht. Naast deze zwart-wit foto’s is er in de Grabbehalle van K20 ook een persoonlijke selectie van zijn jungle-beelden (“Paradises”) te zien. Deze ruimtevullende beeldinstallatie wordt uitzonderlijk in Düsseldorf tentoongesteld en werd door de kunstenaar zelf ingericht.

Thomas Struth is een toonaangevende, vernieuwende kunstenaar die in loop der jaren met een ware beeldenstroom het medium fotografie een nieuwe intensiteit en dynamiek gegeven heeft. Eerst studeerde hij schilderkunst (bij Gerhard Richter) aan de Kunstacademie van Düsseldorf om in 1976 over te stappen naar fotografie, waar hij les kreeg van Bernd Becher. Zijn werk was al in 1992 te zien op documenta IX in Kassel.

Thomas Struth, Tokamak Asdex Upgrade Interior 1, Max Planck IPP Garching 2010, 268,3 x 218 cm (Bild), 275,8 x 225 cm Rahmen), © Thomas Struth

In het middelpunt van zijn artistieke werk staat steeds het ‘nauwkeurige kijken’. Van het ondoordringbare struikgewas van de Aziatische jungle over museumtaferelen op groot formaat (“Audiences”) tot zijn recente opnames van industriële installaties: steeds opnieuw belicht Struth in zijn typerende beeldreeksen de verhouding tussen de kijker en de bekekenen en stelt zo de rol van het individu in de gemeenschap in vraag. Struth vermijdt bij het in beeld brengen van zijn onderwerpen iedere vorm van dramatisering en concentreert zich in de plaats daarvan op de analyse van het beeld zelf.

Dat hij die onderwerpen tijdens zijn reizen door Europa, Amerika, Oost-Azië en Australië vindt, onderstreept het belang van zijn werk in een wereld waar de globalisering nadrukkelijk zijn stempel op heeft gedrukt.

Gelijklopend aan de tentoonstelling stelt Struth in samenwerking met gitarist Frank Bungarten “Musik” voor in Labor, de tentoonstellingsruimte van de afdeling Bildung (‘Vorming’). Dit project biedt een prikkelend akoestisch contrast ten opzichte van de verschillende visuele indrukken die de bezoeker tijdens zijn rondgang door de tentoonstelling ervaart. “Musik” -een uitvoering van Struth en Bungarten die muziekstukken uit verschillende culturen en genres samenbrengt-geeft u de kans om de kunstwerken van de collectie in een uitgebreidere, zinnelijke context te beleven. Als bijzonder hoogtepunt vinden er in mei master classes plaats in Labor, tijdens dewelke professionele muzikanten cursussen voor het publiek zullen geven.

Thomas Struth, Museo des Prado 4, Madrid 2005, 169,5 x 214,3 cm (Bild) 177,5 x 222,3 cm (Rahmen), © Thomas Struth Foto:© Kunstsammlung NRW

Later dit jaar zal de tentoonstelling de volgende locaties aandoen: Whitechapel Gallery, London (06.07.2011 -16.09.2011) en Museu de Serralves, Museu de Arte Contemporânea, Porto (14.10.2011 – 29.01.2012).

In België wordt Thomas Struth vertegenwoordigd door Galerie Greta Meert (www.galeriegretameert.com), in Nederland door Galerie Paul Andriesse (www.paulandriesse.nl).

kempis.nl poetry magazine

Marc und Anja: Motorradleistung unterschätzt.

Runter vom Gas!

Berlin 2009, photo Anton K.

kempis.nl poetry magazine 

Street poetry: Die Mäuse sind besoffen

kempis.nl poetry magazine

Andreas Gursky – courtesy K21

Ludger Gerdes – courtesy K21

Reinhard Mucha – courtesy K21

Thomas Ruff – courtesy K21

Thomas Struth – courtesy K21

Düsseldorf, Auswertung der Flugdaten

„Auswertung der Flugdaten“ at K21 is an arresting exhibition reflecting on art in the 80-es from a Düsseldorfer perspective.
The Düsseldorfer art scene with the Art Academy in the centre has been a major influence in the development of art since the sixties. Beuys, Becher, Struth, Gursky, Ruff, Spoerri, Broodthaers, Richter, Immendorf; there seems to be no end to the list of illustrious names that are linked to Düsseldorf and to the Academy. This exhibition which is curated by Julian Heynen and Valeria Liebermann, demonstrates convincingly the quality of the art that emerged from the Düsseldorfer scene and from the (art) spirit of the 80-es. Artists include Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Schutte, Ludger Gerdes, Isa Genzken and Reinhard Mucha with a brilliant installation. Here are a few pictures and a ► LINK to the website of the Academy.

Anton K., December 2010

kempis.nl poetry magazine 

Nathalie Djurnberg

Nathalie Djurnberg

Nam June Paik, installation

Nam June Paik, installation

Juan Munoz

Juan Munoz

Christian Boltanski

Thomas Schütte

Thomas Hirschhorn

Thomas Hirschhorn

Thomas Hirschhorn

Thomas Hirschhorn

Valerie Favre

Paloma Varga Weisz

Ralf Ziervogel, part of wall drawing

Düsseldorf, K21 Collection

K21 is Düsseldorf’s museum of contemporary art, a 20 minute walk away from K20. On view are parts of the Collection Nordrhein-Westfalen plus a special exhibition ‘Auswertung der Flugdaten’, on which i will come back in a later note. Here are pictures of the collection with works by Christian Boltanski, Thomas Hirschhorn, Nathalie Djurnberg, Juan Munoz, Thomas Schütte, Valerie Favre, Paloma Varga Weisz, Ralf Ziervogel and Nam June Paik.

Anton K.  December 2010

kempis.nl poetry magazine

Max Beckmann

Max Beckmann

Pablo Picasso

Kandinsky

Mondriaan

Mondriaan

Oskar Schlemmer

Hallway

Matisse

Margritte

Dali

Chagall

Roualt

Kirchner

Robert Morris

Joseph Beuys

Joseph Beuys, courtesy K20

Joseph Beuys, courtesy K20

Joseph Beuys, courtesy K20

Joseph Beuys, courtesy K20

Düsseldorf, Quadriennale-K20
Düsseldorf presents its second Quadriennale under the title ‘Kunst Gegenwärtig – Presence of Art’ with special programs at K20, K21, Kunstpalast, Kunsthalle etc. You can buy a 2-day ticket for 20 Euro. It really is a visual feast with Beuys at K20, Düsseldorfer icons at K21 and much more. I was there for 5 or 6 hours and only managed a few exhibitions. At K20 there was the beautiful collection and an extensive Beuys exhibition. Here is a ► LINK to the website of the Quadriennale and above pictures of the visit to K20.
Anton K. December 2010

kempis.nl poetry magazine

JOSEPH BEUYS: PARALLEL PROCESSES

until January 16, 2011 – Düsseldorf K20

K20 Grabbeplatz and Schmela Haus

By effecting an inextricable unity of artistic thinking and action, Joseph Beuys (1921-1986) became one of the most charismatic creative personalities of the 20th century. His multifaceted oeuvre – which continues to exert an influence on contemporary artistic production – is still featured and discussed under the most diverse aspects. Through ten major installations and large-scale sculptural works, the exhibition "Joseph Beuys. Parallel Processes" (Sept 11, 2010 – Sept 16, 2011) at the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen am Grabbeplatz in Düsseldorf examines a variety of themes and clarifies Beuys’s "expanded conception of art." Political and artistic utopias are fused now into "social sculpture" in order to provide new perspectives onto society. During the exhibition, well-known artists will discuss their views of Bueys at the Schmela Haus.

Joseph Beuys, Stripes from the house of the shaman 1964-72, 1980, Filz, Holz, Mäntel, Tierhaut, Filzrolle, Manuskript, Kupfer, Bergkristall, Mineralien, Pigmente, 340 x 655 x 1530 cm, National Gallery of Australia, Canberra
Purchased 1981, Foto: # © VG Bild-Kunst, Bonn
Foto: National Gallery of Australia, Canberra

Through his activities, Joseph Beuys expanded our concept of the work of art: he believed in the power of art to change people, and he imagined both social and artistic utopias. Manifesting itself progressively has been his worldwide influence, one that remains detectable even in the most recent art production. Among the altogether circa 300 works on view at the Kunstsammlung am Grabbeplatz and at the Schmela Haus are masterworks such as "zeige deine Wunde (Show your Wound)"; 1974/75), "The pack (das Rudel)" (1969), and "Fond IV/4"(1970/71).

Joseph Beuys, The pack (das Rudel), 1969, VW Bus, 24 Schlitten mit Fett, Filzdecke, Gurten und Stablampe, 200 x 400 x 1000 cm, Kassel, Museumslandschaft Hessen Kassel, Neue Galerie, Foto: G. Bößert © VG Bild-Kunst, Bonnen Kassel, Neue Galerie, Foto: G. Bößert © VG Bild-Kunst, Bonn

A number of installations, on loan from major museums and private collections, are leaving their permanent locations for the Düsseldorf exhibition the first time since the death of the artist. Shown in Europe now for the first time is the large-scale installation  "Stripes from the house of the shaman 1964-72" (1980). Also featured is a comprehensive selection of drawings, objects, plastic images, and relics from Beuys’s actions, all of which establish interrelationships between art and life in singular ways.   

Coming together in "Parallel Processes" are sculptural and pictorial aspects, theoretical reflections, and art actions, along with this artist’s idiosyncratic transformations of working materials and objects, to form an extraordinary portrait of Joseph Beuys’s unique lifework. Invested with a new contemporaneity and urgency are both the sculptural qualities of his art and its performative potential. Experienced with great immediacy throughout nearly 3000 ft.² of exhibition space is the complex network structure which joins Beuys’s artistic oeuvre into a coherent totality.

Joseph Beuys, zeige deine Wunde, 1974/75, 2 Schepser, 2 weiße Tafeln, 2 doppelzinkige Forken mit Tuchfetzen, auf 2 Schiefertafeln stehend, 2 Leichenbahren, 2 Fettkisten, 2 Schultafeln, 2 Ausgaben der Zeitung "Lotta Continua", ca. 500 x 800 x 580 cm, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München, Foto: Städtische Galerie im Lenbachhaus, München © VG Bild-Kunst, Bonn

A comprehensive catalog (ca. 432 pages) with color illustrations of all exhibited works guides the reader through the presentation’s various "parallel processes." There are essays by Marion Ackermann, Gottfried Boehm, Wilfried Kuehn, Isabelle Malz, Maja Naef, and Johannes Stüttgen. Sharing her views in an interview is internationally recognized action artist Marina Abramovi?. In addition, a special city map identifies the locations in Düsseldorf which were invested with a special significance during the life of this professor at the local art academy. Guided tours to these sites will also be available.

Joseph Beuys, Blitzschlag mit Lichtschein auf Hirsch (Lightning with stag in its glare), 1958-1985, Installation, 39 Elemente: Bronze, Eisen, Aluminium, Kompass, Leihgabe Guggenheim Museum Bilbao, © VG Bild-Kunst, Bonn 2010, Foto: Achim Kukulies

This exhibition forms part of the program of the Quadriennale 2010, organized by the regional capital of Düsseldorf. A scholarly collaboration between the Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen and Friedrich-Schiller Universität in Jena has received substantial support from the Federal Ministry for Education and Research (BMBF). Under preparation since 2009 by a team of young researchers and commencing this coming January is a symposium on Beuys. The setting will be the former Galerie Schmela, recently acquired by the Federal State of North Rhine-Westphalia – a venue where Joseph Beuys made art history with his exhibitions and actions during the 1970s and 1980s. The program draws upon the participants’ catalog texts on the individual works and on the thematic areas which preoccupied Bueys. Exploring a range of possibilities for presenting Beuys’s works during the run-up to the exhibition was the successful lecture series BEUYS AUSSTELLEN? (Exhibiting Beuys?; Nov 12, 2009 – June 24, 2010), organized by the Kunstsammlung and developed in collaboration with Prof. Wilfried Kuehn and the Hochschule für Gestaltung in Karlsruhe.

Exhibition curators: Marion Ackermann, Isabelle Malz

KEMP=MAG # kempis.nl poetry magazine

magazine for art & literature

LWL-Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Münster

Neue Alchemie

Kunst der Gegenwart nach Beuys

19.9.2010 bis 16.1.2011

Das LWL-Landesmuseum zeigt in der Ausstellung mit 32 Werken von elf zeitgenössischen Künstlern, wie das Werk von Joseph Beuys für die Kunst der Gegenwart aufgegriffen und weitergedacht wird. Schon der Titel Neue Alchemie beschreibt die experimentelle, hypothesenhafte Anlage der Ausstellung. Bei den eingeladenen Künstlern handelt es sich nicht um eine erklärte Kunstbewegung im klassischen Sinne, vielmehr setzen sich hier zahlreiche, voneinander unabhängige und höchst individuelle Einzelpositionen zu einem Gesamtbild zusammen, das in der Ausstellung erstmals als ein zusammenhängendes Phänomen beschrieben wird. Die ausgewählten Künstler sind fast alle in den 1970er Jahren geboren und stehen mit ihrem Werk aktuell im Fokus der internationalen Aufmerksamkeit. So vertritt Karla Black Schottland im nächsten Jahr auf der Biennale in Venedig, Nina Canell zeigt ihr Werk im kommenden Jahr im MOMA in New York. 

Bereits bestehende Arbeiten werden mit speziell für das LWL-Landesmuseum konzipierten Arbeiten kombiniert und in Performances und Veranstaltungen in das Ausstellungsgeschehen eingebunden. Die Ausstellung eröffnet fast zeitgleich zur Eröffnung der großen Joseph Beuys Retrospektive „Parallelprozesse“ in der Kunstsammlung NRW in Düsseldorf.

Matthew Ronay, Mounting Toward Zenith – Descending and Disappearing, 2008, Detail, Courtesy: Lüttgenmeijer, Berlin, Foto: Sabine Ahlbrand-Dornseif

Die eingeladenen Künstler sind selbst nicht mehr Zeugen von der Überlagerung der Person Beuys mit seinem Werk, von seiner Präsenz und seinem Charisma geworden, sondern kennen seine Kunst ausschließlich über medial vermittelte Bilder, Filme oder aus dem Museum als statische, nicht mehr lebendige Werke. Der Charakter der neuen Kunstwerke ist der des Prozesses. Statt einer endgültigen Form ist der Moment der Transformation maßgeblich: Ein Vorhang aus fragilem Zuckerpapier (It‘s Proof That Counts von Karla Black) zeigt die Vergänglichkeit des Materials. Katinka Bock lässt in ihrer Arbeit Local Colour Balance das Raumklima des Museums eingreifen: Drei Zitronen, an einer Eisenstange befestigt, halten sich die Waage mit einem Stoffband. Im Laufe der Zeit verlieren die Zitronen an Feuchtigkeit, trocknen ein und werden dadurch leichter. Wann wird das Gleichgewicht zerbrechen?

Björn Braun, Untitled, 2007, Courtesy: Privatsammlung, Foto: Hanna Neander
 

Einige Künstler erzeugen romantische und mystisch-alchemistische Assoziationen, indem sie in ihren Werken Technik, Natureinfluss und Naturimitation kombinieren. Nina Canell schafft aus mit Wasser gefüllten Plastikwannen, die mit Trommelfellen überzogen sind, eine mystische Nebel-Klang-Landschaft (Shedding Skin). Oft werden die Materialien in besonderen, bedeutungsvollen und symbolisch aufgeladenen Anordnungen als Installationen und Skulpturen im Raum positioniert, zum Beispiel in der Rauminstallation Raum#256 – Opak von Lone Haugaard Madsen. Es handelt sich dabei um das Aufgreifen einer Ästhetik, die man aus der musealen Präsentation der Beuys-Räume kennt, die aber auch auf die Vitrinen-Arrangements von Beuys anspielen.

Sergej Jensen, Untitled, 2010, Foto: Hanna Neander

Durch ihre Präsentation und Materialien werden die Kunstwerke auratisch und spirituell aufgeladen. Eine magisch-energetische Qualität wird thematisiert, indem sie in die assoziative Nähe von archaischen Ritualen und schamanistischer Praktik gerückt werden, oft auch in der Art  ethnologischer Objekte, wie in der Installation Mounting Toward Zenith – Descending and Disappearing von Matthew Ronay. Während der Eröffnung „aktiviert“ der Künstler die Arbeit, indem er selbst zum Teil seiner Installation wird.

Michael Stumpf, Song (Ear, Bell, Rock) / Lied (Ohr, Glocke, Stein), Detail, 2008, Courtesy: Sorcha Dallas, Glasgow, Foto: Hanna Neander

Zur Ausstellung ersheint ein 160 Seiten umfassender Katalog im Verlag Wienand, der sowohl die historischen Anknüpfungspunkte als auch die Ausstellung dokumentiert. Er enthält zahlreiche Abbildungen aus der Ausstellung, eine Einführung der Kuratorin Melanie Bono, zwei Essays zu Aspekten von Joseph Beuys’ Werk bis in die Gegenwartskunst von Verena Kuni und Barbara Gronau sowie Kurztexte zu allen beteiligten Künstlern. Der Katalog ist zu einem Preis von 24 € erhältlich.

Katinka Bock, Trostpfützen, 2010, (Detail), Courtesy: Galerie Jocelyn Wolff, Paris, Foto: Sabine Ahlbrand-Dornseif

KEMP=MAG # kempis.nl poetry magazine

MUSEUM DE FUNDATIE ZWOLLE

Paleis a/d Blijmarkt, Zwolle

George Grosz

Schwarzer Champagner und Blutiger Ernst

5 september t/m 5 december 2010

Na Paul Citroen (2008) en John Heartfield (2009) toont Museum de Fundatie ook dit najaar een belangrijke “Berliner” uit het interbellum: George Grosz. De tentoonstelling Schwarzer Champagner und Blutiger Ernst is een samenwerking van de Akademie der Künste Berlijn en  Museum de Fundatie, en omvat een keuze van Grosz’ grafisch werk, tekeningen en schetsboeken  afkomstig uit de collectie van Akademie der Künste Berlijn die de nalatenschap van George Grosz beheert.

George Grosz (Berlijn 1893- Berlijn 1959) keerde getraumatiseerd terug uit de loopgraven van de Eerste wereldoorlog. Hij werd in het revolutionaire Berlijn dadaïst en scherp criticus van het burgerdom en het opkomend militarisme in de Republiek van Weimar. Als geen andere kunstenaar uit zijn tijd heeft Grosz met zijn scherpe pen en zijn kleurrijke penseel de Duitse samenleving in de naoorlogse periode tussen 1918 en 1933 in beeld gebracht. Oorlogsinvaliden en oorlogsprofiteurs, werklozen en speculanten, communisten en nazi’s, brave burgers en bohemiens, geëmancipeerde vrouwen en dames van lichte zeden; Grosz was een groot satirisch tekenaar, die zijn tijdgenoten op messcherpe wijze trefzeker op de korrel nam. Hij was geïnteresseerd in de mensen, hun gedrag, de relaties, maatschappelijke structuren en het politieke systeem met zijn gebreken en zwaktes. Enerzijds was hij de koele waarnemer die afstand hield en afrekende met het leger, de overheid en kleinburgerlijkheid, anderzijds toonde hij zichzelf, zijn vrienden en metgezellen ook als vitale deelnemers aan een samenleving tussen crisis en utopie. De inventarisatie en analyse die hij als kritisch realist van zijn tijd en de tijdgeest maakte, is bovendien van een verontrustende actualiteit.Naast zijn belangrijke grafische werk uit de jaren ’20 – dat hem in Duitsland beroemd en berucht maakte – en werk dat hij maakte in de Eerste Wereldoorlog, zijn in de tentoonstelling opmerkelijke kinder- en jeugdtekeningen van Grosz te zien. Ook worden de  Pop art-achtige fotomontages die Grosz in de jaren vijftig in de Verenigde Staten maakte getoond.

kempis poetry magazine

Historische Ansicht, 1909, Druck der Eckert & Plug Kunstanstalt Leipzig; Spinnerei archiv

Geländeblick; Thomas Riese; 2008

Arbeiterinnen der 2. Spinnerei, 1909; Spinnerei Archiv

Spinnerei Neonreklame; Uwe Walter; 2006

Halle 14, Dach; Bertram Schultze; 2008

Spinnerei Leipzig

from cotton to culture
 
Vor über 125 Jahren kaufte die Leipziger Baumwollspinnerei Aktiengesellschaft ein Grundstück von ca. 10 ha Größe im Leipziger Westen und errichtete darauf bis zum Jahre 1907 die größte Baumwollspinnerei Kontinentaleuropas. Diese faszinierende Fabrikstadt mit Arbeiterwohnungen, Gartensiedlung und eigenem Kindergarten ist heute noch komplett erhalten. Seit der Abwicklung der Baumwollgarnproduktion 1992 ist der Ort einem ständigen Wandel unterzogen. Vor allem Künstler, von denen mittlerweile über 100 ihre Ateliers in der Spinnerei haben, waren die Pioniere der Wiederbelebung. Darunter auch internationale Größen wie Neo Rauch, die noch heute hier arbeiten.

Neben den Künstlern konnte man Musiker, Tänzer, Handwerker, Architekten, Händler, Drucker und Designer und viele andere Gewerke für die Spinnerei begeistern. Als ein Zentrum der Kunstproduktion bekannt, gelang es der Spinnerei Ende 2004 die Aufmerksamkeit der Leipziger Galeristen auf sich zu ziehen. 2005 eröffneten 6 Leipziger Galerien ihre neuen Ausstellungsflächen in der Spinnerei. Allen voran die Galerie EIGEN + ART in der spektakulären Fläche der ehemaligen Dampfmaschinenhalle. Das zunehmende internationale Interesse an der Leipziger Kunst lockte weitere Akteure auf das Areal. Mittlerweile sind 14 Galerien und Ausstellungsflächen, darunter die Galería Hilario Galguera aus Mexiko City, in der Spinnerei heimisch geworden und bilden gemeinsam mit den Künstlern und der gemeinnützigen Halle 14 einen „Kosmos der Kunst“, der weltweit seinesgleichen sucht. Kaum eine andere große Fabrikanlage, die kommerziell revitalisiert wurde, bietet ein derartig breites Angebot für ein kunstinteressiertes Publikum und bleibt dabei gleichzeitig
Heimat für viele Künstler und andere Freiberufler.

Diese vielen kreativen Bewohner beseelen eine authentische historische Fabrikanlage mit zeitgenössischen Inhalten.

„Dort sieht und hört der Aufmerksame soviel, als er zu einem ganzen Roman braucht.“
Aus der Firmenchronik, 1902

►Website Spinnerei Leipzig

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